Heureusement que nous sommes là pour civiliser les Allemands, même les plus raffinés...

La suite, donc : 

"Il n’y a pas plus eu à proprement parler d’évolution de l’écriture orchestrale de Strauss que d’évolution régulière de son harmonie. Lorsque Strauss utilise l’orchestre symphonique, il le fait quasiment d’une seule manière : en exaltant ses possibilités, en jouissant de sa possible virtuosité, en maniant avec un art supérieur tantôt l’effet de masse, tantôt l’arachnéisme d’une orchestration divisée. Certains traits straussiens, ceux d’altos souvent en particulier, sont difficilement jouables : mais emportés et noyés dans la masse, l’effet demandé est atteint. Au contraire, une intervention plus à découvert d’un ou de quelques instruments est-elle demandée, Strauss prend soin d’écrire leurs parties en tenant compte au plus haut point de « ce qui sort bien » et de « ce qui sort mal » à l’instrument. Ravel et Mahler divisent à l’extrême ; Puccini mélange ; Strauss individualise, puis ménage une progressive convergence de tout l’orchestre, qui éclate lorsqu’il le faut d’une manière impérieuse et parfois sauvage. Il violente son orchestre, qui violente son public ; mais le charme aussi est présent, sur l’orchestre comme sur le public. 

La présence de la voix complique le jeu - mais le rend combien plus passionnant ! Voici Sophie, du Chevalier, rôle léger de jeune bourgeoise innocente : division extrême de l’orchestre. Voici au contraire Elektra ou Salomé, à la violence desquelles Strauss oppose parfois sa propre violence orchestrale. Parfois, cela ne va pas sans une certaine inattention aux possibilités vocales de l’interprète courante, même excellente : et on songe au Beethoven de la « Neuvième ». Mais la plupart du temps au contraire, Strauss sait par exemple préparer l’attaque toujours délicate d’une note haute par un mezzo d’un mouvement progressif chez son partenaire : 

ou bien encore demander à son librettiste, en l’occurrence Hoffmansthal, de modifier son texte pour ne pas infliger à l’interprète, sur une note haute, une syllabe dure : 

Ainsi se trouve mise en évidence la préoccupation majeure de Strauss, qui est moins de faire sonner un orchestre que de la faire résonner. Un moment de l’évolution de Strauss, en la matière particulièrement important, va être son orchestration d’Ariane. Il semble que Strauss est au XXe siècle un des premiers musiciens à comprendre que la perfection de l’orchestre symphonique impliquait en quelque sorte dialectiquement son dépérissement. (…) Les trente-cinq musiciens d’Ariane, tous solistes, résonnent admirablement. Et le Strauss de la maturité se rend compte que le nombre ne fait rien à l’affaire. Plus tard, il critique son gigantesque orchestre d’Elektra : A l’époque, j’étais entiché de fortissimi germaniques. Et assistant un jour à une représentation de Carmen, il s’extasie : Avec seulement deux cors ! Et moi, avec quatre, je n’en avais jamais assez ! 

Ce n’est donc pas par le recours à des instruments extraordinaires, ou par un nouveau type d’écriture orchestrale, que Strauss est important ; mais plutôt pour avoir réalisé un double mouvement de « liquidation » de l’orchestre symphonique et d’instauration de l’orchestration de chambre qui allait connaître au long du XXe siècle un avenir si brillant. L’inclinaison vers Mozart conduisit ainsi paradoxalement à d’étranges - et bénéfiques - libérations."